Willem de Kooning

Willem De Kooning

(Rotterdam, 1904-East Hampton, EEUU, 1997) Pintor estadounidense de origen holandés. Junto a Jackson Pollock, es el artista más destacado del expresionismo abstracto estadounidense. Tras cursar estudios de arte en la Academia de Rotterdam, viajó a Estados Unidos en 1926 y se estableció en la ciudad de Nueva York. Las pinturas de De Kooning, así como los trabajos escultóricos que desarrolló a partir de 1969, combinan figuración y abstracción. En un primer período intentó una síntesis entre el cubismo sintético y el fauvismo, a la que añadió, experimentando con el automatismo y de manera progresiva, enérgicas manchas de color y personalísimos trazos negros. La figura humana es el tema favorito del artista, siempre representada de manera cruel y desgarradora, no exenta, sin embargo, de lirismo. En la década de 1950 realizó su magistral serie de Mujeres, plasmadas de manera grotesca, realzando rasgos sexuales entre un caos de violentos brochazos de color. De Kooning logró el equilibrio entre la gestualidad del trazo y la emotividad inmediata del color, dotando sus composiciones de una vitalidad sorprendente.

Expresiva y amenazadora. Con una amplia sonrisa, pechos desmesuradamente grandes y enormes ojos vacíos. Así es la mujer que pinta De Kooning. A contracorriente, cuando América estaba sumergida en la corriente de la abstracción, él quiso acabar con los tópicos tradicionales sobre el arte y la belleza. Sus pinceladas enérgicas lo han convertido en el segundo cuadro más caro de la historia.
Unas mujeres distintas

Willem De Kooning pintó muchas mujeres a lo largo de su vida. Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de forma exclusiva. En la época de su máxima creatividad artística comenzó la que más tarde sería su serie más célebre donde las mujeres fueron las grandes protagonistas. 'Woman I' fue el primero de muchos lienzos. Más tarde, en 1952, después de hacer centenares de metamorfosis antes de terminarlo, creó 'Woman II'. Y así continuó hasta completar la serie.

este pintor es uno de los mas ineteresantes que

me a parecido ya que es muy abtrastico e ineteresante

,,tambien tiene algo de misterioso

wikipedia!

James Rosenquist

Grand Forks, 1933) Pintor estadounidense. Exponente del pop art, su obra se caracteriza por formatos enormes, con imágenes próximas al realismo fotográfico (Anteojeras para caballo, 1969; Puntos blancos, 1983; Los rubores Kabuki, 1985). En los años noventa mostró su trabajo en la galería Leo Castelli de Nueva York (1996), en la galería Peder Bonnier de Nueva York (1998) y en la Winston Watcher Fine Art LLC de Washington (1999).

La gracia y el estilo inconfundible del eficaz dibujo de James Rosenquist, capaz de las más fieles representaciones de objetos y figuras, estaba grabada ya en la retina de millones de personas desde que el artista se diera a conocer en los años 50 pintando enormes carteles y vallas publicitarias en Times Square.

este pintor me parece muy divertido y ala vez original,
se fija en muchos detalles y el cuadro que
e puesto a sido el que mas me a gustado
por su variacion de colores

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 – Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés, de estilo muy personal que puede definirse como figuración expresionista.

En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros.

Residió durante medio año cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido en una exposición en París. En esa época en Chantilly admiró el cuadro La masacre de los inocentes de Poussin, del vecino Museo Condé. Este cuadro le inspiraríFrancis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 – Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés, de estilo muy personal que puede definirse como figuración expresionista.

En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros.

Residió durante medio año cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido en una exposición en París. En esa época en Chantilly admiró el cuadro La masacre de los inocentes de Poussin, del vecino Museo Condé. Este cuadro le inspiraría múltiples obrasa múltiples obras


el papa aparece distorsionado, emborronado, convetido casi en una especie de ser monstruoso, que grita, con un chillido casi animal, es la forma que tiene Bacon de criticar el poder absoluto e irracional, de reflejar la crueldad del poder.
En sus cuadros Bacon tiene la valentia de reflejar aspectos de si mismo que ningún pintor se había atrevida a plasmar, da salida en los cuadros a todas sus angustias, a sus fantasmas, a la violencia que todos llevamos dentro, el miedo a la muerte, nuestros deseos más inconfensables


He elegido a este pintor porque me parece
interesante y ala vez muy misteriosos,
he puesto ese cuadro por que
es uno de los que mas me ha gustado



parte de esta informacion es obtenida en wikipedia

Antonio lopez

Asunción, Paraguay, 1792-id., 1862) Político paraguayo. Durante su juventud, y a instancias de sus padres, siguió la carrera eclesiástica, pero la abandonó para estudiar derecho. Tras doctorarse en jurisprudencia, fue catedrático del colegio de San Carlos. A causa de la enemistad y la discordancia política que lo separaban del dictador Francia, de quien era sobrino, vivió un tiempo alejado de Asunción, adonde volvió a la muerte de éste.

Junto con Mariano Roque Alonso, en 1841 fue elegido segundo cónsul, cargo que desempeñó hasta 1844, fecha en que el Congreso lo nombró presidente de la República. Fue reelegido para la presidencia en 1854 y 1857. Durante sus años al frente del gobierno impulsó un régimen autoritario, aunque sin caer en las prácticas dictatoriales de Francia, y dotó al país de una nueva Constitución y de un ejército moderno.

En política económica reformó la agricultura y firmó tratados comerciales con Francia, Estados Unidos y el Reino Unido, y en política interior concedió a los indios la ciudadanía. Además, bajo su gobierno, y a instancias de éste, se fundó el periódico El Paraguayo Independiente, órgano oficial del ejecutivo. Con el fin de paliar el desempleo, dio un nuevo impulso a las obras públicas y dotó a la Administración, que reorganizó por completo, de mayor presupuesto para la contratación de personal.

este cuadro lo he elegido por que me da sesacion de realismo ya que el pintor expresa todos sus detalles en el. Por eso tambien he elegido a este pintor

parte de esta informacion es de:

http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_L%C3%B3pez_Garc%C3%ADa

Fer nando botero

(Medellín, Colombia, 1932) Pintor y escultor colombiano. Fernando Botero se graduó en 1950 en el Liceo de la Universidad de Antioquia, sita en su ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española (en especial a Goya y Velázquez).

Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.

A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial, Mona Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica.

El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico por cierto aire naïf y en lo temático por la representación de personas y animales siempre como figuras corpulentas, incluso claramente obesas.

He elegido este pintor por la forma creativa que tiene y lo interesante que son los cuadros,tambien lo he elegido por la forma que tiene de exprezarse, al porner una mujer rellenita,,

parte de esta informacion es de :

http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_Botero

Jackson Pollock

(Cody, EE UU, 1912-Springs, id., 1956) Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.

Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.









uno de los estilos es el dripping que se asocia inmediatamente a la obra y persona de Jackson Pollock, hasta el punto de que se le puso el mote de «Jack the Dripper», en juego de palabras con «Jack the Ripper» (Jack el Destripador). El dripping consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula.

Este artista es muy interesante , aunque yo siempre yo recordaré como el pintor que pitaba morado, es un pintor muy creativo y entretenido por eso me a gustado

parte de esta informacion es cogida de:
http://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock

Piet Mondrian

(Amesfoort, Países Bajos, 1872-Nueva York, 1944) Pintor holandés. Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.

Tras contemplar las primeras obras cubistas de Picasso y Braque, en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo.

La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo van Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar), fundó la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

Uno de los cuadros que he elegido es un auto retrato pintando el en el rio
he elegido este autor por la manera de pintar las cosas, ya la que mas me ha gustado a sido la epoca en la que pintaba con cubos.
este pintor es abtrasto ya que con cubos puede hacer un cuadro.
este cuadro me parece interesante ya que detras de el hay como un puente y se especifica mucho en los detalles.

parte de esta informacion es cogida de:
http://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian

Kazimir Malevich

Kazimir Malevich

(Kiev, actual Ucrania, 1878-Leningrado, actual San Petersburgo, 1935) Pintor ruso. Después de estudiar arte en una academia privada de Moscú, pintó primero cuadros de tipo impresionista para evolucionar pronto hacia un primitivismo inspirado en los fauves y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand Léger. Participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia. En sus viajes, conoció el cubismo y el futurismo, que le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con multiplicación de la imagen futurista.

Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de entonces, alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta sensación de profundidad. Hacia 1918 se inclinó por la austeridad más absoluta con la serie Blanco sobre blanco.

En este período, al considerar que ya no podía llegar más lejos en sus investigaciones, abandonó la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura, para exponer sus ideas sobre el arte. Fue profesor en las academias de Moscú y Vitebsk, en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de Moscú, y dirigió el Instituto para el Estudio de la Cultura Artística de Leningrado. Simultáneamente, proyectó estructuras tridimensionales que ejercieron una gran influencia en el constructivismo soviético.

una de las pinturas que mas me ha gustado de este pinor es el hombre corriendo

Me gusta porque no se omo un deportista corriendo , yo lo que veo es alguien huiedo como de la muerte. por eso es una de las raxçzones que he elegido este pintor

Tambien lo he elegido por que creo que es el que mas pinturas de atletas tiene pintadas de todo el bloque de pintores, y tambien lo he elegido porque juega con la geometria y el realismo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Malevich#Bibliograf.C3.ADa

Marcel Duchamp

Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo al noreste de Ruan, donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como notario y alcalde. Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores, que adoptaron más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon, decidieron dedicarse al arte, quizás debido a la influencia de su abuelo materno, que tras ganar una fortuna considerable como agente marítimo se había retirado para dedicarse a sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras en la Exposición Universal de París (1878).
Como habían hecho sus hermanos mayores, a los que estaba muy unido, Marcel asistió a clases de dibujo en el liceo. Su hermano Gaston (Jacques Villon) había alcanzado cierta fama como pintor de carteles en París, en una época en la que descollaban Henri de Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha, y Marcel, que admiraba a su hermano, trató de imitar su estilo en sus primeros dibujos. En el verano de 1902, con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realizaría varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él, que también se dedicaría a la pintura. En 1904 abandonó el hogar paterno para marcharse al barrio parisino de Montmartre, donde vivió con su hermano Gaston. Marcel, al igual que sus hermanos, disponía de una asignación mensual que su padre le daba como adelanto de la herencia.

Una de las epocas que tubo Marcel Duchamp fue la epoca cubista .Era un tiempo de revoluciones artísticas: el collage de Picasso y Braque, el futurismo, las obras de Alfred Jarry, la poesía de Apollinaire y el arte abstracto de Vasily Kandinsky, Robert Delaunay y Piet Mondrian abrían al arte moderno. A partir de 1911 Duchamp empezó a innovar más seriamente. Según Tomkins, el cuadro que marca el inicio de esta etapa es Sonata. En la pintura, inspirada en el cubismo de su hermano Jacques Villon, aparecen sus tres hermanas interpretando una pieza musical y su madre, ajena. Tras experimentar con "un fauvismo que no se basaba únicamente en distorsión" en El matorral, pintó Yvonne y Magdaleine desmenuzadas y Retrato (Dulcinea), en los que juega con los temas del movimiento y la transición, temas mayores en la obra de Duchamp. En ésta época tuvo una relación con Jeanne Serre, según Gough-Cooper y Caumont la modelo de El matorral, con la que tuvo una hija, aunque Duchamp no lo sabría hasta mucho más adelante.

he elegido este pintor por su forma de entender las cosas, y las forma de representarlas

una de sus pinturas es "desnudo bajando una escalera"

Esta pintura me parece muy imaginatiba por la forma que a compuesto con cubos y esferas una

figura.

El cuadro representa varios instantes de un mismo personaje bajando de perfil una escalera.Duchamp mostró la idea de movimiento mediante una veintena de imágenes sucesivas superpuestas, rompiendo con los codigos del desnudo clásico, aproximandose a la pintura cubista, a la diferencia de ellos su cuadro muestra el movimiento, las figuras cubistas son estaticas y rigidas, el "Desnudo bajando una escalera" puede tener más relación con el "Futurismo".Del fondo estilizado aparece la escalera, comienza arriba en la parte de la derecha, gira para perderse abajo en la izquierda, sus limites no se definen, parece superpuesta. Los colores son calidos, tonos marrones, ocres-rojos, amarillos, sepia, los colores del carton y de la madera.El modelo representado más que un personaje, parece un maniqui de madera, la imagen más definida es la que se encuentra al final de la escalera.El pintor hace valer las geometrías, triangulos, trapecios, lineas curvas, como en otros cuadros el pintor utilizaba los puntos suspensivos para mostrar el movimiento.

http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp

Dalí

Salvador Dalí nació a las 8:45 horas del 11 de mayo de 1904, en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, provincia de Gerona, en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia. El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador (nacido el 12 de octubre de 1901) había muerto de un "catarro gastroenterítico infeccioso" unos nueve meses antes (el 1 de agosto de 1903) por lo que decidieron ponerle el mismo nombre. Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto.

Este pintor es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.

He elegido este autor por sus pointuras tan creativas e imaginarias,he elegido unos de los cuadros mas interesantes de dali que es muchacha asomada a la ventana, lo he elegido por la orma que esta pintado, me parece una imagen muy realista ya que creia que era una foto. me parece tambien muy buen cuadro por el paisaje que mira la niña.

Parte de la informacion es cojida dew ww.es wikipedia.org/wiki/salvador_dali

Wassily Vasílievich Kandinsky

Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudia Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.
En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

Unos de los estilos de este pintor que mas a me ha gustado es hacia la abstracción por que encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

Es por una de las razones que he elegido este cuadro.

Otras de la razones es por como mescla de las figuras geometricas co lineas y colores. ami me representa esta imagen a una ciudad . tambien es el cuadro que mas me gusta por su colorido e imaginacion para representar este cuadro

He elegido este autor por la manera de pintar, me parece uno de los pintores mas interesante de este bloque de pintores por que tiene mucha imaginacion al pintar

Parte de esta informacion esta cogida de http://es.wikipedia.org/wiki/Kandinsky

Henri Matisse

Henri Matisse (1869-1954) es la figura más importante del fauvismo, y uno de los más grandes de la pintura contemporánea. Estudió con Moreau, y recibió también la influencia de Van Gogh y de Cézanne.

En las obras que presentó al Salon de Otoño de 1905 , los ecos eran éstos:..." lujo, calma, y voluptuosidad"...Es una fusión de técnicas.

Sus cuadros: Mujer con sombrero y La raya verde , son dos obras-manifiesto dela nueva pintura, donde el color se organiza en campos independientes y delimitados, buscando, mediante la " estridencia", nuevas sensaciones y armonías.

De esta misma época es también " La alegría de vivir ", pintado entre 1905-1906, tema que pretende evocar una una soñada edad de oro, mediante el ritmo curvilíeno de los desnudos que danzan, aman o reposan.

Matisse, merced a la organización del espacio a base de planos de color sugiere las distancias físicas, los movimientos y los afectos. Obras como El Lujo II, Danza o Música son ejemplos de ello.

Desde 1908 en adelante experimente con el principio del color único, en obras como Armonía en rojo, y Los postres. Donde las líneas y las figuras se subordinan a un tema cromático .

Como escultor, Matisse es también una figura de primer orden, que continúa las experiencias de Rodin.

Una de las obras mas famosas de matisse es L araya verde(Óleo sobre lienzo)

he elegido esta obra por ser la mas famosa y ser una de las que mas me gusta por que me parece interesante por parecer moviendose tambien me gusta por la gama de colores que juega Matisse

Descripción y análisis de la obra:
La obra representa el retrato de la esposa de Matisse, un retrato duro y colorista que define a la perfección el momento por el que el autor se identifica con sus “fauves” sus composiciones preferidas, sus fieras particulares. La mujer, seria y en posición de posar para el retrato, desvía ligeramente su mirada del frontal del cuadro, ofreciendo un aspecto de tranquilidad y al mismo tiempo de tensión.
Pero lo más importante de la composición es el juego de líneas y de colores que definen el retrato, líneas que definen bruscamente el límite de las formas de la cara y el vestido, y colores poco mezclados, dibujados con aparente falta de orden, y con falta de sentido común en la aplicación. Destaca sobre todo la famosa raya verde que da título al cuadro, y que delimita de una forma brusca los dos lados de la cara.Y que para definir la zona más iluminada de la más obscura se emplean dos colores como el naranja y el rosa , que no se corresponden con una representación naturalista de un retrato.

La composición de colores del cuadro produjo un especial horror en el Salón de Otoño de los fauvistas en 1905, la gama de colores brillantes no sólo se aplicaban al fondo o a las ropas, sino al rostro, lo que hacía la pintura aún más provocativa.

Aspectos técnicos y estilísticos:
Matisse en esta obra combina la idea pictórica de la saturació de color, paradigma de su estil, con un tema más íntimo y privado, el retrato de su mujer. Su estilo se decanta cada vez más por un serltido decorativo de la pintura. Su filosofia artística se podría resumir en un comentario que hizo en respuesta a una objeción que le acababa de hacer una señora, esta le dijo: «Estoy convencida de que el brazo de esta mujer (refiriendose a una figura femenina de una de sus obras) es demasiado largo». Matisse contestá: «Madame, estais equivocada, Esto no es una mujer, es un cuadro». Un cuadro no tiene que ser necesariamente idéntico al mundo que nos rodea, tal como lo demuestra Matisse con esta respuesta y con la pintura que comentamos. Matisse no ha pintado la escena tal como la veríamos realmente, y por qué habria tenido que hacerlo, no es mucho más agradable este sorprendente juego de colores, quizá más apropiado que un retrato más naturalista.
La denominación de Fauves se aplicó a Matisse y a sus amigos Dufy, Dérain, Rouault y Vlaminck, en el Salón de Otoño de 1905, donde coinciden con los primeros expresionistas alemanes, de los cuales ellos eran una variante mediterránea que manifestaba sencillament y sin trasfondo dramático y transcendental, la “joie de vivre” ilusión por la vida, de los artistas, expresión que es, precisamente, el título de otro cuadro de Matisse. El acto de presentación de las obras de estos artistas, provocó un considerable escándalo de la crítica. Entre otros vituperios se dejá caer el nombre de jaula de las fieras (cage aux fauves) refiriéndose al conjunto de artistas que hemos citado. De esta manera una tanto fortuïta quedó bautizado el movimiento presentado oficialmente como tal el año 1907.

http://www.dooyoo.es/artes/henri-matisse/opiniones/ =)

Munch

Edvard Munch nació en Loten (Noruega) en 1863. Fue precursor de la tendencia expresionista. Cuando aún no tenía 5 años su madre murió de Tuberculosis y 9 años mas tarde su hermana muere por la misma enfermedad. Decide dedicarse a la pintura después de estar un año en la Escuela Técnica de Arquitectura. Pasa algunos veranos en la academia de pintura al aire libre de Frits Thaulow, y es ahí donde asimila un realismo de inspiración francesa.

En 1885 en un corto viaje a París conoce algunas obras de los impresionistas Monet, Renoir, Degas, Pisarro y Seurat.. Lo más importante de este periodo es la obra La niña enferma, en la que evoca su experiencia personal con la muerte de su hermana.

En 1889 llega a París, donde se hace alumno del pintor Leon Bonat y realiza obras impresionistas.

Poco después muere su padre, y es cuando pinta Noche, donde representa la melancolía y la soledad.

Son Gaugain y Van Gogh, quienes lo llevan a dar un giro radical a su trabajo. Pinta El grito, Vampiro, La voz, la primera versión de Madonna, comienza un ciclo llamado El Friso de la vida. Todas ellas expresan sus experiencias personales sobre el amor, la enfermedad, la muerte y la propia naturaleza.



La obra que he elegido es EL GRITO.

Se expresa la soledad del ser humano y su pesimismo frente las adversidades. El grito de terror trae consigo la tensión y el pánico interior que destruyen la anatomía. Los rasgos de rostro desaparecen bajo el gesto. No hay nada de realismo, se representa el interior y no el exterior.

La figura del primer plano aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y desesperación, mientras que en segundo plano aparecen otras personas frías y distantes como queriendo significar que el prójimo no nos ayuda en los momentos de desconsuelo.

este cuadro lo he elegido porque es uno de los mas famosos de munch y porque me parece una exprecion del autor en su momento. tambien lo he elegido por la mezcla de colores que hace de este cuadro mas temeroso ya que la figura parece alguien gritando de miedo

http://es.wikipedia.org/wiki/Munch

Van Gogh

Nacio el 30 de marzo de 1853 este pintor no se hizo famoso asta despues de su muerte,,

Era el mayor de seis hermanos. Nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de 1853. Era hijo de un austero y humilde pastor protestante holandés, Theodorus van Gogh, y de Anna Cornelia Carbentus. Recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se impusieron a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo, como si fuera un presagio de su original y atormentada existencia. Cuatro años después, el 1 de mayo de 1857, nació su hermano Theodorus (Theo). Tuvo también otro hermano llamado Cornelis Vincent y tres hermanas: Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba. Vincent comentaba luego sobre su juventud: "Mi juventud fue triste, fría y estéril..."

Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg dejando los estudios de manera definitiva a los 15 años. Aunque no fue buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta.

la Alameda en Otoño

He elegido este cuadro por que me parece uno de los mas bonitos de Van gogh ya que representa la atardecer en la alameda.En este cuadro lo que veo es humildad y tristeza

parte de esta informacion es de http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh#Primera_etapa_de_su_vida_.281853.E2.80.931869.29

Pablo Picasso

Fue un pintor y escultor español, nacio en malaga el 25 de octubre de 1881, fue uno de los creadores del movimiento cubista.
fue el primer hijo de Nicolas Moreno Alva y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia pequeñoburguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895).

De Nicolas Moreno alva se sabe que quiso ser pintor y fue profesor de dibujo en la escuela de Málaga llamada San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.

Picasso comenzó a pintar desde edad temprana. En 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El pequeño picador, su primera pintura al óleo, de la que siempre se negó a separarse.

En 1891, la familia abandonó Málaga, cuando el padre fue nombrado profesor en el Instituto de La Coruña. Allí, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.

El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Lonja, Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.

Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la escuela de bellas artes de Barcelonay se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida


he elegido esta pintura, porque fue el primer cuadro que pinto de la primera comunion, este cuadro me gusta por sus personages ya que me parecen muy reales

La actividad pictórica de Pablo Picasso comenzó a una edad muy temprana, con sólo 11 años fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de La Coruña. Este lienzo lo empezó con 14 años años y demuestra el dominio que poseía del color, la composición y la técnica.

Una frase atribuída al pintor Malagueño en los últimos años de vida sentenciaba: "... a los quince años pintaba como Velázquez, y me ha costado ochenta pintar como un niño...". Posiblemente ninguna de las dos cosas sea verdad, pero sí reflejaba la necesidad que sentía de explorar e innovar en nuevos campos artísticos desde el principio de su carrera.




http://es.wikipedia.org/wiki/Picasso

Claude-oscar Monet

Monet nacio el 14 de noviembre de 1840 en Paris,, fue alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David. Al estar más interesado por los dibujos graciosos y caricaturas que por adquirir una formación artística, a los 15 años ya tenía relativa fama como caricaturista, realizando un buen número de caricaturas de ciudadanos de Le havrepor las que cobraba entre 10 y 20 francos, consiguiendo una pequeña fortuna de 2.000 francos. A los 17 años falleció su madre, la única persona con cierto talento artístico de la familia...

Siempre se ha considerado a Monet como el máximo representante del Impresionismo. Indudablemente, Monet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plamar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral. Sus temas preferidos son las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la incidencia de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada.

Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte. Destacan otros casos como el de Cézanne, que hace del Impresionismo, un personalísimo estilo que camina por cauces diferentes. Otros pintores impresionistas pero de personalidad distinta a la de Monet son Degas y Renoir, no por ello menos importantes.

Monet fue un gran amante de la cultura y arte japonés. De ahí, que se construyera un jardín a la oriental, con un puente y con nenúfares. Este fue un buen lugar para refugiarse en sus últimos años. En este tiempo, un Monet casi ciego se deja "iluminar" por una luz limpia incidiendo en el agua de su estanque y en todo lo que le rodea. Ello le lleva a crear pinturas restallantes de vida, verdaderas "sinfonías cromáticas".





He elegido uno de sus cuadros que es el de Amapolas,que presenta las Amapolas al público durante la primera exposición del grupo impresionista en los antiguos talleres del fotógrafo Nadar, en 1874. El lienzo, que se ha convertido hoy en uno de los más famosos, evoca la atmósfera vibrante de un paseo por los campos durante un día de verano.

Monet diluye los contornos y a partir de la evocación de las amapolas construye una rítmica coloreada, mediante manchas cuyo formato desmesurado, en el primer plano, muestra la prevalencia acordada a la impresión visual, franqueando así un primer paso hacia la abstracción.
En este paisaje, ambas parejas, madre y niño del primer plano y del segundo, tan solo son un pretexto para implementar una oblicua que estructura el cuadro. Dos zonas distintas desde el punto de vista de la gama de colores se definen de este modo: una dominada por el rojo, la otra por un verde azulado. La mujer joven con sombrilla y el niño del primer plano son, sin duda, Camille, la mujer del artista, y su hijo Jean.
Este pintor lo e elegido por su manera de pintar ya que es muy peculiar
e elegido este cuadro porque me parece uno de los mas bonito que pinto Monet


parte de esta informacion es de
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo_monet.html

Dominique Ingres

Nacido en paris el 29 de agosto de 1780. pictórico que poseía y rápidamente favoreció sus aspiraciones artísticas. Con 11 años, ingresó en la academia de Toulouse (1791) y se formó con maestros como el pintor Roques y el escultor Vigan. En 1796 se fue a París para estudiar bajo la dirección de David, pero su frío clasicismo no encajaba en el ideal de belleza que él tenía, fundado en las difíciles armonías de líneas y colores.

En 1813 se casó con Madeleine Chapelle, a la que dedicó la obra: Il fidanzamento di Raffaello

La gran odalisca es un cuadro de Dominique Ingres. Esta obra orientalista pintada en 1814 representa a una mujer desnuda. Se trata de un cuadro al óleo de forma apaisada, que mide 91 centímetros de alto y 162 de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de París, en Francia.
Este cuadro fue encargado por Carolina, hermana de Napoleón y reina de Nápoles, como un pendant, esto es, cuadro que forma pareja con otro, en este caso, otro desnudo. Se expuso en el Salón de París de 1819.

parte de esta informacion es sacada de http://es.wikipedia.org/wiki/La_gran_odalisca

Camille Corot

Nacio en Paris el 16 de junio de 1796, vivia al lado del palacio de las Tullerías. Recibio una educacion burguesa,y sus estudios secundarios los cursó en Rouen, entre 1807 y 1812. Allí Corot vivía con un amigo llamado Sennegon, lector de Rousseau y próximo a las ideas ilustradas, de quien adquirió el gusto por la naturaleza. Su pasión por la pintura es perseverando

se define claramente el estilo de Corot, que muestra claramente una frescura de ejecución y la fidelidad al motivo contemplado y esbozado al aire libre, introdujo en Francia la estética de lo fragmentario, definida en la pintura de paisaje por los románticos ingleses como Constable.

Este es uno de los cuadros que mas me gusta de corot, ya que veo mucha imaginacion en este cuadro.es una pintura creada en el año 1850 por Jean-Baptiste Camille Corot, y su estilo es el realismo.

Jean François Millet

Millet nació Gruchy (Gréville) 1814 . Después de residir doce años en París y Normandía, Millet se unió a la escuela de Barbizon de artistas paisajistas. Allí pintó algunas de sus obras más célebres de campesinos trabajando en el campo.

siendo acusado de socialista por algunos críticos de la época, Millet se especializará en los temas campesinos.Hombre de extracción humilde, pasará toda la vida sumido en la pobreza, pintando a la gente que le rodea por lo que es considerado uno de los artífices del Realismo

Eugene Delacroix

``EL MAS MODERNO DE LOS ARTISTAS”

Nacio el 26 de abril de 1798 en Charenton-Saint Maurice. Recibió una formación neoclásica dentro de la escuela del pintor francés Jacques-Louis David, pero su estilo se vio influenciado por el rico colorido y la opulencia de maestros anteriores, como Petrus Paulus Rubens y Pablo Veronés. También absorbió el espíritu de su contemporáneo Théodore Géricault, cuyas primeras obras representan la acción violenta, el amor a la libertad y el romanticismo en ciernes del turbulento periodo postnapoleónico.

Una de las mejores obras de DELACROIX es ``la libertad guiando el pueblo”, también conocida como ``la barricada” que une la realidad con la ficción

Con esta obra confirmó la clara divisón entre la pintura romántica, que resaltaba la importancia del color y del espíritu,frente a la neoclásica que hacía mayor hincapié en el dibujo y el distanciamiento del tema.


El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.
El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicándonos que ha valido la pena morir por ella


http://es.wikipedia.org/wiki/La_Libertad_guiando_al_pueblo

Delacroix murió el 13 de Agostode 1863 en París.

La familia de Carlos IV

Aqui tenemos uno de los cuadros de goya pintado en 1800(entre mayo y julio)
Un año antes de realizar este cuadro, Goya había obtenido el más alto cargo que un pintor podía alcanzar en España: pintor de cámara al servicio del rey, la misma distinción que había obtenido Velázquez un siglo y medio antes.

Gracias a las cartas de la reina María Luisa de Parma a Godoy conocemos paso a paso la concepción del cuadro. Goya recibió el encargo de pintarlo cuando la Familia Real pasaba una temporada en el Palacio Real de Aranjuez. Goya realizó los bocetos, retratos individualizados a fin de evitar a sus modelos la incomodidad de posar mucho.El 23 de ese mes presentó la minuta por los diez retratos, de los que se conservan cinco en el Museo del Prado. De los bocetos perdidos se conocen copias hechas por Rafael Esteve repartidas por diversos museos y colecciones.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_familia_de_Carlos_IV